オープニング、八百屋舞台から立ち上がる一人一人の存在感が美しく、舞台美術（もらいたい）、照明（池田哲朗）が優れていたのはもちろんだが、7年間見続けてきた劇団のこの役者たちが、大きな空間に負けていないことを、まずうれしく思ったのだった。

　中央の白い二人が母と娘であることは語られている言葉からすぐにわかったが、二人とも声のトーンがドラマチックで美しく、大きなドラマの始まりを予感させるに十分なあらわれだった。役者たちの立ち位置が作る形が非常にしっかりと構築的な美しさを見せるのは、この劇団の以前からの長所だが、今回は声が差し示す矢印（ベクトル）がきらめく網の目のように輝いていたのが、新しい発見だった。

　語られることで生まれるものがある。舞台というただの空間に、演劇は言葉と身体によって一つの世界を生み出す。何もない空漠に、山や河を、街を戦場を作り出すのは役者の言葉や視線だ。この二人から引き出された声には、そういう力があった。彼女たちが「流れ星！」といえば、流れ星が見えた。娘が「パパ、どうしてるかなぁ」といえば、前後の脈絡が何もわからなくても、せつないドラマが一気にわきあがった。娘が2回「会いたいな…」と繰り返し、母が「私も」と叫ぶようにもらしたのが、ドラマのピークであり始まりだった。このように、オープニングのシーンは展開された。

　アポロ11号のアームストロング船長が月に来た時に、月のウサギ達とコンタクトして、子供ができていた、その後日譚。娘（寺本育実）は人間の血が混じっているため、他のウサギと違って耳がなく、噂の存在として様々な商人ウサギに狙われている。その危機を母（重田恵）が自分の耳と目と引き換えに守るというのが劇の一つのピークである。この軸の周辺には、娘の存在を狙う様々な商人がそれぞれの奇妙な演技で楽しませてくれる。とはいえ、このドラマだけでは、まだまだ陳腐なセンチメンタルな物語で、1時間45分満足して北野の坂を下れない。

　母娘はいつも空に浮かぶ青い星を見つめている。アームストロングが「また来るから」と言い残したのを信じて、ずーっと月から青い星（地球）を見つめているのだ。そうしてやっとやって来たのは、しかしアームストロング本人ではなく、オモイデという名のロボット（当麻英始）だ。もうアームストロング本人は死んでしまっている。地球そのものがどんどん砂になって滅びていって、ロボットだけがアームストロングの思い出として言葉を伝えにやって来た。そんないきさつを説明するロボットの言葉に「それから？」「それから？」と畳みかける重田の声の高まりがいい。かつて出会った人のかすかな残り香のような思い出を求める心が迫ってくる。このあたりから、劇のトーンが急激に締まり、空間の温度が高まっていく。

　母にとって、青い星を見続けることが、アームストロングを思い、待つことだった。今、彼女は目と耳を失って、その星を見ることは叶わず、せっかくやって来たロボットの姿さえ見ることはできない。しかし、だからこそ、本当に大切なものは、見える、見えないに関係ないということがしみてくる。

　そしてクライマックスシーンにスタンダードナンバー「What a wonderful World」が流れるように（〜を見た、〜を見た、という歌詞が繰り返されるのだ）、確かにこの劇で目、見ること、見続けることは大きなモチーフになっている。最後にこの星を離れて母はあの星、アームストロングの星で今はすべてが砂になったという星へ行くことを決意する。

　残されることになるのは、もちろん娘。そしてもう一人、モルさんと呼ばれる、ずーっと母娘のそばにいて、ただハラハラと二人を見守っていた逃亡奴隷だ（南田吉信）。登場人物の中で唯一大阪弁でまくしたてる、軽くて冗舌なお人好し。おそらく実は彼がこの劇の影の主人公だと思うのだが、それは、彼が終始母に熱い思いを寄せているのはありありとわかるのに、母は終始青い星を見つめてアームストロングの再訪を待っているだけの報われない片思い、純粋なラブストーリーであるからだ。それをモルさん自身わかっていて、いっそう自分を戯画化するような言動をとるのが、実にせつなく、好演だった。

そしてこの劇の大きなモチーフとなっていたサン＝テグジュペリの『星の王子様』の世界をそのまま体現する「星の王子」というセーラームーンのような格好の少年（きたまこと）は、劇の中心から少し離れた彗星のような存在でありながら、随所で非常にリリカルなプロットを提供する。「あれがぼくの星だ!」と虚空を指差し叫ぶ姿が、誇りとさびしさと無垢な素直さを微笑みの中に包み込んで、印象的だった。このような役をきっちりと設定できたことは、当麻の作家としての幅の広がりを感じさせた。

1998年８月22日　於・扇町ミュージアムスクエア。作＝山岸丘周（たかひろ）、演出＝当麻英始。

　少女の死、「究極の幸福」、少年が無意識のうちに封じ込めてしまった記憶、といったテーマを軸に、テレフォンショッピングや精神病院に君臨する女王の王国（？）などのドタバタを絡めながら、この世で後悔の残る昔の少年と少女に「もう一度あなたと私が出会うまで」の希望を抱かせる、感慨深い作品となった。

　冒頭の葬儀の場面、古川智子が客席の後ろから回り込んで舞台に上がるのが、時間と空間の広がりを劇の前に伸ばしていく、いい効果を持った。喪服の列の中、南田吉信だけが派手なブルーのズボンの平服で座っている。詰め襟の少年が無言で頭を下げるなど、喪の挨拶の表現がいい。延々と台詞のない時間が続いた。葬列は少女（きたまこと）の写真を送り、下手奥から斜めに舞台を横切っていく。突然、南田が口笛を鳴らす。皆が振り向き、南田にスポットが当たると、彼がものすごい表情をしている。

　この冒頭の情景で、いきなりぼくたちは少女の死を知り、それについて南田の演じる男が特別な役割を果たしているらしいことを知り、口笛が何か象徴的な意味をもっていることを知る。続くシーンで、南田ときたがテレフォンショッピングのテレフォンジョッキー（とでも呼ぶのだろうか）を、切れたようなオーバーアクションで演じるのを見ても、この暗い冒頭の印象は拭い去ることができない。元は一流の俳優だったらしい南田が疲れ切った様子で「どうでもいいようなものを、さも画期的なもののように売りつけること」には耐えられないと、その仕事を降りると言うと、きたが「見捨てないで下さい！」と叫び、倒れる。この時のきたの切迫した表情はすごい。ここに至ってぼくたちは、何かあると思う。何かこの二人には、今ここでテレフォンショッピングでハイテンションになっている以上の何かがあると。すると南田が「口笛」と呟き、ハッとした表情を見せる。

　このようにいくつかの鍵、謎が冒頭から配置されると、劇場でのこれから二時間前後の間にこれが解決されたり回収されたりしていくのだろうな、と予想がつく。問題は、どのように、ということだ。そして願わくば、それ以上のどのような演劇的愉楽を与えてくれるだろうか、ということだ。

　一つの謎解きは、こういうことだ。南田の少年時代、学校でいじめにあっていたきたと、ある夜公園で待ち合わせをする。きたにとって南田は、自分をかばってくれる唯一の存在、最後の頼みの綱だったようだ。だが結局南田は来なかった。絶望したきたはその夜その公園で自ら命を断つ。それが劇冒頭の葬列につながる。

　南田が来れなかったのは、その夜口笛を吹いてしまったからだ。「夜中に口笛吹くと蛇が出る」という言い伝えに怖くなって、外へ出られなくなってしまったのだ。

　これは、あまりにも他愛ない。少女の命を左右したのに、ふざけるな、と言いたくなるぐらいひどい理由だと思う。しかし、この落差が妙に子どもの世界の真実を等倍に表わし得ているとは言えないだろうか。この関節を外されるような幼い理由を提示できたことで、この劇は一つの味わいを持てたように思う。あるいは、この落差を軸に、この劇は展開しているといっていい。

　きたが倒れたのにあわてた南田が駆けつけた病院で、彼は「とってもハードな回転をするぞそしたらこの世は極楽じゃあの会」という、女王（鈴木理枝子）に率いられた新興宗教のようなへんな集団のおちゃらけたドタバタに巻き込まれる。彼女たちはバットを持って「回る輪廻、行くぞ極楽」の歌を歌って、その「輪廻棒」を十万円だと言って売りつけようとしたりする。遠くでテレフォンショッピングや少女の死と再生が響いていることがわかる。

　にもかかわらず、この劇団のこのような構成について、判断停止の状態（どう受け止めたらいいんだろう？）に陥ることがある。本筋だけをストレートでシンプルに展開させれば、よほどすっきりするし、本筋自体もさらに深まり、作品の完成度も高まるのに、と。無論、劇団員の人数や構成の問題といったこともあるだろうが、彼らのこの執拗さに関しては、やはりそれが一つの演劇構成の主張なのだと思わざるをえない。シリアスなテーマを提出し、いったんそれを無化させる嵐のような「もののけ」めいた者たちや騒々しいだけの闖入者の出現。実はそれは無化に見えて、遠くで本筋のドラマを遠くから別の光で照射するようにできている。それが劇の最後になって収斂する形でやっと理解できる。……そのような作業を、劇全体でか一部分でか、展開させることによって、テーマ自体を膨らませることに成功する場合がある。たとえば「砂の数だけ握りしめて」（一九九五年）では、多くの闖入者たちの騒々しさによって、最後の孤独な選択が際立ったと言えるだろう。「神様の贈り物'97」で医師たちのばかばかしさが兄妹の悲劇を対照的に増幅させたことはいうまでもない。

　この作品でも、この馬鹿げた病院の妙な教団や、コギャルを装った本当は二九歳の豚姫（古川智子）らの存在が、最後にハッピー・セメタリー（幸せの行き着く所）への一番乗り争いという形でのラインナップを取り、収束していくように見える。

　ハッピー・セメタリーには、きたまことがいる。きたが「ここには何もないわ」と言って、「幸せの行き着くところ」とは「幸せの墓場」であると説得しても、彼らは信用しない。ちなみにこれは前号で取り上げた売込隊ビームの「ヴィークの人」に似た設定だが、今ぼくたちがオウム真理教などの出現によって、来世的幸福の成否についてとても懐疑的になっていることがわかろうというものだ。

　そのような応酬、つまり幸せが行き着いた平安な場所というのはいったい本当に幸せなのだろうかという問い掛けに平行して、南田が「口笛、いつから吹けなくなった？」と自問し、「思い出すな」「思い出せ」の声に揺れている。そしてきたは、それを、南田が思い出すことを、待っている。ここで、南田がそれを思い出すことが、つまりなぜきたがここにこうしていなければならないのかということを解く鍵、救済のための（？）一本の糸なのだということが、きたの必死に盛り上がる緊張した表情からわかる。念のために言えば、こういうことがストーリーの流れや言葉によってではなく、一人の役者の表情によってわかるというのは、ものすごいことだ

　南田が思い出す……「君はぼくに手紙をくれた」「そう……ここ、覚えている？」「待ち合わせの公園」「ここで、私が死んだの」「ここで君が死んだんだ」「待ってたの」「口笛吹いたから……ヘビが出るって、行けなかった」……「怖かった？」「何が？」「ヘビ」「ああ」。そのようにこのことを隠蔽し、無意識の闇の底に押し込めていた彼が、今ここでそれを明るみに出す。そして本当に怖かったのはヘビではなく、彼女に係わり合うことで「靴を隠されたり、誰からも話しかけられなくなるのがこわかったんだ」というところまで吐露してしまう。

　きたが尋ねる。「どうしてあの時、口笛を吹いたの？」……あの時とは劇冒頭の彼女の葬儀のことだ。「もう一度吹けば、戻れるような気がして」と答える南田。これはその時少年だった南田が、その時には既に「もう今度はヘビなんて怖くないよ」と自らの成長を宣言したわけだし、今になって改めて言うということは、言い換えれば「今度は君を助けに行くよ」という愛の言葉である。それを受けてきたは「待っててくれる？　もう一度あなたと私が出会うまで」と願うことになる。

　本当のことをいうと、なぜここが幸せの行き着くところとして提示されたのかどうか、どうにも上手く辿れない。劇の筋として若干のずれがあるような気がしてしまうが、それを見ているときに感じさせず、強い説得力、迫力をもってせまったのは、南田ときたの、過ぎた時間を取り戻せないか、未来を約束することはできないか、という強い願いのこもった迫真の演技だった。このような願いや祈りの強さが、この劇団を一番芯のところで支えている大きな力だと思う。世界に対する祈りは、無力であるかも知れないが、無力さを知った者が祈るとき、祈りは本当の力をあらわすのではないか。それは救済ではないかも知れないが（ということを、賢明にも残酷にも、この劇団の劇は見せてくれる）、希望ではある。それがこの劇団は鮮やかに見せてくれることが多い。

　きたはかわいらしい声がただのブリッコの少女のようではなく、かよわさ、はかなさにちゃんと聞こえていたのが秀逸。南田の立ち尽くす姿は、小さな劇場を茫漠とした地平線に見せてしまうような力がある。

　本筋の脇では、鈴木理枝子が女王の貫禄を見せたこと。古川智子が本当は二九歳のコギャルという、年齢の溝を上手く見せながらも本当にかわいい女の子を演じきったこと。古川にテレクラでめぐりあうオジサンをシャイで誠実で臆病で、と的確に演じたアンディ岸本。おでん屋のおかみを渋く味わい深く見せた阿矢。等々、相変わらずの粒ぞろいだった。

1997年8月24日(日)　新神戸オリエンタル劇場で、大阪新撰組の「神様の贈り物」。'89初演を改訂再演。作・演出＝当麻英始。

　情熱をもって見続けてきた劇団だが、今回の公演には、ちらしの文章まで書いている。こんなものだ。

　初めて見たのがここ新神戸オリエンタル劇場だった。忘れもしない、3階席から覗き込むようにして見た「ハイジのいた夏'93」。心地好いテンポで展開する爽やかなストーリーに巻き込まれるうち、客席と舞台の隔てがなくなるような一体感の渦にいた。興奮した。二つのストーリーが鮮やかに収斂する快感、美しく舞台空間を斬る人物の配置…いや、何よりも、舞台に向かって「ぼくもまたそこにいる！」と叫びたくなるような共感を創り出す力の強さに、興奮していた。

　　　その夏からぼくは、中断していた時間を取り戻せると信じたかのように、猛然と劇場通いを再開することになる。仕事に追われ、宮仕えの生活にどっぷり漬かって、芝居を観るよろこびを忘れていたぼくに、再び劇場の闇の持つ匂いやときめきを思い出させてくれたのが、この劇団大阪新撰組だったのだ。

　　　再びここに大阪新撰組がやって来る。時は夏。外はむせかえるような残暑。今度ここで彼らの放つ熱い闇に囚われてしまうのは、あなたかもしれない。ご同慶の至りである。

　ここまで書いたからには、ぼくにも責任というものがある。それに、いつも見慣れているアトリエや小さな劇場ではなく、何といってもSKOTだ。公演が近づくにつれ、ぼくも緊張していた。大丈夫やろか……。

　杞憂だった。幕が開いた途端、ベッドに横たわる少女Ａ（鈴木理枝子）と看病する母（西宮久美子＝客演）、舞台美術（舞台監督＝塚本修、美術＝山本華子）の作る空間のただならぬ緊張に、完全に引き込まれ、魅了された。

　劇は、大きく分けて三者を軸に展開する。医師たち、臓器移植を待つ病身の妹とその兄、何らかの理由で死に臓器移植を申し出たが移植手術に失敗してまださまよっている魂たち。

　成功の原因はいくつもある。臓器移植という微妙なテーマを扱って、医者の苦悩を戯画的に、移植を待つ患者の側をシリアスで悲劇的に美しく描いたこと。また臓器を提供する側を、移植手術に失敗して結果的に誰の役にも立てなかったと設定することによって、関係の複雑さを増しながら、それぞれの立場のそれぞれのやり切れなさ、不毛さ、はかなさ、苦悩を描けたこと。

　つまり、医師ら（当麻英始、きのしたさちこ、てんてん＝客演、龍司、アンディ堀本）には、臓器移植を待つ何名かから一人を選ばなければいけないということで、一人を救う＝他を切り捨てるという苦悩がある。それをあえて、選ぶ客観的な基準が見いだせないということから、こともあろうに「こっくりさん」という、およそ科学的とは言えない手段で選ぼうという設定にしたことで、事柄の本質的な滑稽さと深刻さをみごとに描いた。8年前に初演されたとは思えない現在性がある。

「こっくりさん」で選ぶことを非科学的でおかしいと抗議する新米医師（アンディ）だが、彼にもそれに代わる絶対的な基準・方法は提出できない。見ながら徐々に「こっくりさん」の方が良心的かもしれない、などと思わされていく自分がおかしい。

　移植を待つ身は、兄チルオ（南田吉信）と妹ミチコ（きたまこと）という設定にし、まずは宮沢賢治的な意味で、哀切を増した。兄妹が心臓移植を直訴しようと病院へ向かっている。

　　「ねえ、おにいちゃん、もうすぐなの？

　　ああ、もうすぐさ。向こうに見える、あの光が病院さ。

　　よかった。やっと着いたのね。

　　ああ、やっとだ。」

　という冒頭近くの美しいシーン。ここで「もうすぐ」に近づいているのは、ミチコの病んだ心臓が健康で丈夫な心臓に取り替えられ、彼女が健康になるという、夢だ。だから病院は光として見えている。兄妹は少しずつ病院の、偉い先生たちの元へ近づいているように思える。しかし、その先生たちの会議室では、実に下らないことが延々と続けられている。こっくりさんでは決まらなかったからトントン相撲にしようだとか。もちろん兄妹だって、ただただシリアスに一直線に目的地へ向かうわけではない。階段（舞台の上手に天井まで続く大階段がしつらえられていた。もちろん、天上ともつながっていたわけだが）で「グリコ」をしたり、大声で泣いたり兄を呼んだりする妹に手を焼いて喧嘩したり、「おにいちゃん、歌って」とせがまれた兄が渋ると「じゃあ、私が歌う」と妹が何曲も別れの歌ばっかり歌ってまた兄にたしなめられ、じゃあと言って兄が「365歩のマーチ」を歌ったり。そんな寄り道がこの劇団の魅力であり、時には困った点でもあったのだが、ここでは兄妹の親しさ、病んだ妹の甘えとそれを十数年間気遣ってきた兄のやさしさとして、ひじょうにうまく機能した。

　先に便宜的に「魂たち」と呼んだ少女たちを説明するのは難しい。心残りな人生を送ってしまい、せめて死んだら人の役に立とうと思って臓器提供を思い立った少女たち。にもかかわらず手術は失敗し、その意思は報われなかった。複雑なコンプレックスを持って、どうも少女Ｃ（古川智子）は他の少女の運命を失敗に仕向けるような工作をしたらしいことがわかってくる。しかし少女Ｃは少女Ｂ（阿矢）に真実を告げても許してもらえる。また、生前はこの病院の看護婦だった娘（岬恵利乃＝客演）は、役に立ちたいと手首を切ってしまうという極端な最期を遂げたらしい。そこまでして人の役に立ちたいと思ったのに、手術は失敗した。しかも執刀医はこの病院の医師（当麻英始）だったというのだ。

　ここで人々は善意である。しかし善意は課題を解決しない。それを体現するのはアンディ堀本演じる新米医師であるし、結局ミチコが会議のさなかに会議室の扉の前で息絶えてしまうという形で、救われることなく終わってしまうこの劇に通底する主題なのかもしれない。しかし再び戻るが、ここで人々は善意である。作者は人々の善意を信じているように思える。そしてそれが観ているぼくたちにも確実に伝わっている。善意は何事も解決できず、当事者たちをただ苦しめている。しかしそれをこそぼくたちの真実として掬いとろうというまなざしが美しく鋭い。

　役者の中では、出演場面は少なかったが驚くほどの重い存在感を示したのが少女Ａ（鈴木）の母親役の西宮。冒頭のシーンは、死期近い娘が心臓提供を同意するよう母に迫っているという場面。

　　「母さんは、馬鹿とごめんばっかり。

　　……。

　　今度は、ただ一言、わかったよって言ってね。

　　何をだい。

　　私のお願い。さっき、言ったでしょ。

　　やめておくれよ。そんな馬鹿なこと。

　　お願い……母さん、ただ一言、わかったよって言って。

　　でも、どうして。

　　こんな私でも、たった一つだけ、世の中の役にたつような事をしたいのよ。だから……。」

　このようなシンプルなせりふによって、娘と母の最後の時間が流れていく。幕開きの観客を掴まなければならない重要なシーンで、直接的に具体的な事柄は何も触れられない淡々としたせりふによって、ここがどのような場面であるのかを的確に表現し得た二人の演技は素晴らしかった。

　そして西宮の本領が発揮されたのがラスト近く、娘の心臓を自ら持ってきたというとんでもないシーンだ。ここで西宮がひとり語っているのは、大事な娘の心臓だから大切に漬かって下さいねという、それだけのことだと言ってもいい。移植用の臓器を母親が持ってきたという設定も破天荒だし、せりふ自体も「とっても、柔らかくて暖かい心臓です」とかいう調子で、ただこのシーンをこの劇の一つのクライマックスに持っていったのは、西宮が自ら作ったテンションの高さだったといえる。彼女の演技は、ごくストレートで正統的なものだが、それがここではストレートに情感を引き出すこととなった。

　南田吉信、きたまことの兄妹についても、もう一度ふれておかなければならない。チルオ、ミチコという名前からも「青い鳥」を意識させるが、それは必ずしも緊密に張られた喩の網の目ではないようだ。ミチコの「お兄ちゃんったら、いつもないものばかり当てようとするんだもん」という台詞に反映されていると見るのが一つ。病院＝光＝治癒を見果てぬ夢と見て「青い鳥」とシンクロさせると解釈するのが一つ。前者は全体の喩としては弱く、後者は解釈として容認しやすいものではない。当たり前のことを言うようだが、治癒は見てよい夢だし、それに本当の幸せがすぐ足下にあったということはできない。

　この兄妹が舞台の上であれほど生き生きと迫る力をもち得たのは、南田のリアリティと、きたのパワーによるものだ。ようやく会議室の前までたどりついた二人。しかし会議室の扉は開かず、中の様子を窺い知ることもできない。力尽きて倒れるミチコ。

　　「ミチコ……ミチコ！　お願いします。妹を助けてやって下さい。丈夫な心臓をください。妹が丈夫になったら、俺でもやってやります。歌なんか何十回、何百回でも歌ってやります。グリコもやってやります。グリンピースでもずるいなんて言いません。当て物だって何回でもやります。だから、助けてやって下さい。ずるくたって、わがままだっていいんです。ミチコを、ミチコをたすけてやって下さい。」

　と扉を激しく叩いて絶叫する兄。徐々に意識が遠のいてゆくミチコ。この劇に再び悲劇に終わる勇気を与えたのは、この二人の圧倒的な変身力(?)によってだったといってよい。きたは再び、舞台に体当たりすることによって大きなハードルを越えたように思う。

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